Le Sumukhwa : la beauté du vide dans l’art coréen

Le Sumukhwa donne d'abord l'impression d'une simple esquisse à l'encre noire, tracée de quelques traits rapides et laissée dans de grands espaces vierges. Mais en y regardant de plus près, on comprend que cet art ne cherche pas à copier ce que l'œil voit ; il s'attache à capter ce qui lui échappe.

Eau, encre de suie, pinceau et papier, la simplicité des outils utilisé est trompeuse. Une pression un peu forte, une dilution mal maîtrisée ou un geste trop nerveux, et l'atmosphère du tableau se délite. Sur le papier hanji, très absorbant, l'encre ne pardonne rien : une fois posée, la trace reste. C'est cette impossibilité de raturer qui donne au Sumukhwa sa sincérité, le pinceau agissant comme un sismographe de l'instant.

Au bord du silence

L'usage exclusif du noir pourrait sembler limitatif. Il n'en est rien. La tradition coréenne considère l'encre sous le prisme des Obunsaek, les « cinq couleurs » (le noir profond, le gris foncé, le gris moyen, le gris clair et le blanc du papier). En dosant la charge d'eau et la pression du poignet, l'artiste obtient toute une gamme de sensations. Une montagne lointaine, par exemple, ne sera pas détaillée, mais simplement voilée d'une encre très diluée qui suggère la brume et la distance. La profondeur naît de l'eau et de la suie, rien d'autre.

Cette encre n'a d'ailleurs de sens que par le vide qui l'entoure. Le blanc du papier n'est pas un manque, mais le souffle même de l'œuvre. Quand l'Occident cherche souvent à combler la surface, le Sumukhwa ménage des espaces de respiration pour le silence et l'intériorité. Une branche de prunier à peine ébauchée, une falaise qui se perd dans le brouillard : le peintre suggère au lieu d'imposer, laissant au spectateur le soin de terminer l'image dans son esprit.

Il faut voir dans le Sumukhwa un cousin de la calligraphie (Seoye). On ne peint pas un sujet, on en saisit l'énergie, le Gi. L'artiste s'imprègne de son motif bien avant de lever le pinceau. Imprégné de bouddhisme Seon, ce processus exige un lâcher-prise : le créateur ralentit, accepte l'accident et laisse le trait traduire une respiration intérieure. Le coup de pinceau devient une méditation en mouvement.

Les thèmes du sumukhwa ne sont pas choisis au hasard. Le bambou, le pin, l'orchidée ou le prunier, que l'on nomme les Sagunja (les « Quatre Gracieux »), sont de puissantes métaphores. Le bambou ploie sous le vent sans se briser, le prunier éclot dans les froids hivernaux : ils disent la résilience et le renouveau. Les paysages de montagne et d'eau (Sansuhwa), eux, renvoient à l'équilibre du Yin et du Yang, la montagne stable faisant face à l'eau mouvante. À travers ces éléments, l'artiste peint finalement la condition humaine et notre façon de traverser le temps.

Le Sumukhwa est un art hautement spirituel qui mêle la technique au désir de l’artiste de laisser le spectateur se plonger, le temps d’un instant, dans un espace infini, où l’essentiel n’a pas besoin d’être vu en détail pour être profondément ressenti.

Pour aller plus loin :

• Arts of Korea, publié par le Metropolitan Museum of Art

• Art of the Korean Renaissance, 1400–1600, par Soyoung Lee

• Dongju Lee, The Beauty of Old Korean Paintings: A History and an Appreciation